La luz y el color en el cine

Algunos tipos de luces que se identifican son:

1. Luz principal (key light): incide en la escena a es la zona de mayor luminosidad determina el nivel de sombra que llevara la escena y con respecto a esta se disponen las demás luces se ubica a 45° en altura.
2. Luz de relleno (fill light): atenúa las zonas del sujeto producidas por la luz principal sin borrarla suele ser difusa la sombra nos da cuenta del volumen fuente poderosa pero aplicada suavemente ya sea rebotándolas en plumas o en paneles tamizados.
3. Contra luz: recorta los sujetos respecto del fondo remarca los sujetos se puede poner detrás o lateral pero alta.
4. Luz de fondo: acentúa áreas detrás del sujeto respecto a la posición de contra genera áreas o zonas de luz separa el fondo respecto del sujeto en primer plano.

Como modelos de iluminación se reconocen:

1. Pictorialista: que no tiene explicación justificada para las fuentes no se justifican en términos de composición son para generar suspenso, tensión e incomodidad.
2. Naturalista: es la que busca y trata de representar fielmente a la realidad.

El color

El color proporciona mayor adecuación a la realidad, ya que el mundo es en colores, y una más amplia libertad para el juego de carácter creativo. Los cineastas del cine en blanco y negro, no obstante, llegaron a adquirir unas cotas altísimas de perfección fotográfica, de contrastes entre luz y sombras y una sorprendente profesionalidad en el uso de la iluminación.

La luz es un elemento imprescindible para el lenguaje cinematográfico. Sin luz no hay cine. La iluminación crea sombras, arrugas, rejuvenece o envejece, crea efectos psicológicos del personaje, en función de donde se coloque cambia la atmósfera de una película. En claroscuro está filmada, por ejemplo, El sur, de Victor Érice.

En el cine en blanco y negro lograron algunos cineastas como Eisenstein o Fritz Lang dominar el mundo de luces y sombras, dando a la sombra carácter protagonista, utilizando con maestría el contraluz, el humo de hogueras y cigarros. La niebla y otros efectos se realizaban con fines estéticos, para enfatizar la luz y las sombras y no solamente con el fin de crear atmósferas y ambientes.

Usos del color en el cine:

El color pictórico. Intenta evocar el colorido de los cuadros e incluso su composición.

El color histórico. Intenta recrear la atmósfera cromática de una época.

El color simbólico. Se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar efectos determinados.

El color psicológico. Cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan.

El color y la perspectiva

Los colores cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío... Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación.

Los fondos iluminados y claros intensifican los colores, dan ambiente de alegría y los objetos tienen más importancia en su conjunto. Los fondos oscuros debilitan los colores, entristecen los objetos que se difuminan y pierden importancia en el conjunto.

El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos.

Líneas en el cine

Podemos definir la línea como la huella de un punto en movimiento o como una  sucesión de puntos contiguos.

La línea presenta una serie de cualidades:

• El grosor de la línea se usa como medio de significación.

• Puede usarse para transmitir la idea de movimiento.

• Tiene un gran valor como elemento compositivo de la imagen.

• La dirección de las líneas también se asocian con distintos significados:

• Líneas rectas = quietud, tranquilidad.

• Líneas oblicuas y curvas = movimiento, inestabilidad, violencia.

El sonido

Dentro de la realización audiovisual, el sonido es un campo creativo que, desde la aparición del cine sonoro, va de la mano con la imagen. Abarca todos los elementos que no sean estrictamente música compuesta en un filme: diálogos y efectos sonoros. La creación de una banda sonora tiene las mismas posibilidades creativas que el montaje. Se deben seleccionar sonidos con una función concreta para guiar la percepción de la imagen y la acción.

Normalmente se tiene la sensación de que los actores u objetos que aparecen en las películas producen el ruido adecuado en el momento adecuado, considerando el sonido como un simple acompañamiento a las imágenes. En cambio, la banda sonora de una película se construye separada de la banda de imagen y de manera independiente. Parte de la fuerza de muchas escenas y secuencias se consigue gracias a efectos de sonido que suelen pasar desapercibidos. El sonido es capaz de crear un modo distinto de percibir la imagen y puede condicionar su interpretación, por ejemplo, centrando la atención del espectador en un punto específico y guiándolo a través de la imagen.

Características acústicas.

Cualidades del sonido:

• Nivel: la amplitud de las vibraciones a través del aire produce la sensación de mayor o menor nivel (volumen). En el cine se manipula constantemente el nivel del sonido para dar mayor protagonismo a unas acciones o personajes, para diferenciar las distancias físicas y para crear tensión y asustar al espectador.

• Timbre: describe la textura del sonido dando una cualidad tonal. Fundamentalmente, se hacen variaciones tonales en cuanto a la música y la banda sonora del film.

• Tono: hace referencia a la frecuencia de las vibraciones. Juega un papel fundamentas a la hora de diferenciar objetos entre si por sus características, música y diálogos.

Nivel, timbre y tono interactúan para definir la textura de sonido de una película y permiten diferenciar los sonidos de la misma. Así mismo, se puede diferenciar, por ejemplo, las voces de los distintos personajes.

Dimensiones del sonido:

Puede diferenciaciarse entre ritmo, fidelidad, espacio y tiempo. El sonido ocupa una duración determinada dentro del filme, se puede relacionar con la fuente de una manera más o menos fiel, transmite las cualidades del espacio en el cual se desarrolla la acción y está relacionado con los elementos visuales del lugar que se muestra.

• Ritmo: ha de existir una concordancia entre el ritmo del montaje, los movimientos y acciones en cada una de las imágenes y el sonido, compaginando ritmos visuales y auditivos. También se puede jugar con el contraste del ritmo entre la imagen y el sonido para crear efectos inesperados, utilizando la voz en off, combinando diferentes músicas para crear efectos misteriosos... El ritmo a lo largo de una película puede cambiar constantemente.

• Fidelidad: hace referencia al grado en el que el sonido es fiel a la imagen que se muestra en pantalla. Tal vez el sonido que se percibe no pertenezca realmente a la fuente que estamos visionando, pero se acepta como verosímil por su credibilidad. Podemos alterar esta fidelidad fundamentalmente para crear efectos cómicos.

• Espacio: el sonido procede de una determinada fuente, por tanto, tiene una dimensión espacial. Si el sonido procede de la fuente que aparece en pantalla hablamos de un sonido diegético. Si por el contrario procede de una fuente totalmente externa a lo que se nos muestra, estaremos hablando de un sonido no diegético.

• Tiempo: se puede representar el tiempo de diferentes formas, ya que el tiempo de la banda sonora puede concordar o no con la imagen. Hablamos de un sonido sincrónico cuando este está sincronizado con la imagen y lo oímos a la vez que aparece la fuente sonora que lo produce. Para obtener efectos mas imaginativos, se puede utilizar un sonido asincrónico que no case con la imagen.

El ritmo

Es la impresión dinámica dada por la duración de los planos, las intensidades dramáticas y, en último caso, por efecto del montaje. Sin embargo, el ritmo del cine es ritmo visual de la imagen, ritmo auditivo del sonido y ritmo narrativo de la acción.

ritmo se crea :

- Con la duración material y psicológica de los planos. Según cual sea la duración de los planos, el film tendrá un ritmo  u otro. Motivos cercanos piden el cambio rápido del plano, porque se capta rápidamente lo que contienen; el contrario pasa con planos que presentan motivos lejanos.

Planos de duración más larga crean un ritmo lento. Se pueden obtener efectos de aburrimiento, monotonía, miseria material o moral de un personaje, ambientes contemplativos...

Por lo que respecta a la escala, la capacidad de asimilación del espectador hace que los planos generales hayan de tener una duración más larga que no los primeros planos. El ritmo de un film también está supeditado a la dinámica del movimiento, tanto por parte de la cámara como de los elementos representados. No obstante, normalmente en un film el ritmo varía en función del tema o del dramatismo de las escenas. El equilibrio en la duración de los planos se ha de mantener con una cierta lógica en cada secuencia, pero no forzosamente a lo largo de todo el film.

- Con los elementos visuales encuadrados.

La combinación de los diversos planos pueden acelerar o retardar el ritmo o una sucesión de primeros planos produce un ritmo de gran tensión dramática.Un paso de plano general a otro de más cerrado puede producir una aceleración del acontecimiento gracias al aumento de tensión que ocasiona. Lo contrario, de planos cortos a largos, puede producir tanto un efecto de hundimiento como el de calma, los movimientos de cámara colaboran en crear dentro de un plano un movimiento, que quizá la misma escena no tiene y la composición interna de las líneas del encuadre puede provocar una modalidad propia en el ritmo del montaje.

- Con los elementos de la banda sonora.

Clases de ritmo:

Analítico: Planos cortos y muy numerosos; es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo, dramatismo, actividad, esfuerzo...

Sintético: Planos largos y poco numerosos; resulta un ritmo lento, puede expresar sensualidad, monotonía, poesía...

"In crescendo": Planos cada vez más breves (tensión, dramatismo); planos cada vez más largos (relajación, serenidad).

Arrítmico: Los planos son breves o largos, sin tonalidad especial. A veces cambian repentinamente aportando sorpresa.

Angulos cinematográficos

Ángulo normal: El eje óptico de la cámara se ha hecho coincidir con la línea horizontal que va desde el ojo al horizonte. Este ángulo se utiliza en imágenes informativas y descriptivas.

Ángulo picado: La imagen se toma desde arriba hacia el suelo. La figura fotografiada parece empequeñecerse, ya que parece que la observemos desde un nivel superior. Se da sensación de fragilidad o inferioridad.

Ángulo cenital: La cámara se sitúa justo encima del sujeto u objeto a fotografiar. 

Justo a 180º de este. No es un ángulo muy usual.

Ángulo contrapicado: Es el ángulo inverso al picado. El ángulo del visor de la cámara 

es ascendente. Aquél que observa la imagen parecerá que lo hace desde un nivel 

inferior, por ello el valor expresivo de este ángulo determina superioridad, potencia o triunfo.

Engrandece al sujeto protagonista.

Contrapicado absoluto: Es el ángulo contrario al cenital. La imagen se toma totalmente desde abajo.

Ángulo aberrante: La cámara se encuentra inclinada en el momento de tomar la fotografía, así la línea de horizonte se desnivela. Expresa acción, movimiento o inestabilidad.

Ángulo imposible: La cámara se encuentra en una posición imposible.

Ángulo gusano: La cámara se encuentra al ras del suelo.

Reseña pelicula :TAC en 'Hoy empieza todo'

El TAC està present en tota películ·la:

Trobem una llum tènue i apagada en moments de tristesa o tensió. En canvi, quan les coses canvien i sembla que s'avança en mètodes amb els pares, que els nens i professors tenen o semblen tenir menys preocupacions, la llum comença a tenir vida dins l'escena.

Per enfatitzar l'efecte documental que crea una gran versemblança, el director utilitza freqüentment plans-seqüència i tràvelings amb la càmera a les espatlles. Els plans que predominan son plans de llarga duració i propers als  rostres dels personatges.Va buscant les mirades sense canviar de pla amb suaus moviments per poder trobar els detalls de la informació que esta donant. Amb això potència el concepte de la càmara com a un ull que està continuament observant.

També trobem com es combina l'exterior de les aules amb l'interior d’aquestes, amb la intenció d'ensenyar a l'espectador que al contrari que a casa, els nens estan en igualtat i es defensen els seus drets, un lloc on poden jugar, aprendre y ser feliços.

Així mateix, existeix una mirada poètica i individual, que ens ve mostrada pel director del centre educatiu, Daniel Lefevre, que està en contrast amb el relat que ens fa en 'veu off' de les dificultats de l'ensenyament amb els plans generals del paisatge. Aquest moments lírics presenten un contrast entre la realitat , la solidaritat i el compromís , que trobem destacats amb les escenes dels nens a l'escola.